視裡物外-徜徉於時空經緯的旅者

                                                          ~張仲良 Chung-Liang CHANG

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    張仲良的『窗系列』從2009年發展至今,歷經多次變革與演進。從早期對人物的佈局(mise en scène: 室裡物外場景配置的關注; 到戲劇性(théâtralité)的營造; 以及對“窗”這個媒介本身概念與視覺語彙的探究; 乃至於其在法國巴黎第一萬神殿索邦大學(Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne)『觀褶皺』論文的學理論述。恆長不變的是對時空移轉觀念的探索、對作品敘事性的展延與東西方造型與美學觀的融會貫通。

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    從東西方比較美學的角度,張仲良作品大致可以三大觀點來一窺堂奧:

一、      透視與繪畫性(picturalité):其“透視”可以兩種方式解讀。

(1)   透視(perspective):中國繪畫講求以平遠、深遠、高遠來詮釋; 而西方繪畫則以三角透視結構來構圖。張仲良嘗試以攝影手法來呈現繪畫性的同時,也敏銳地感受與涉及到這個層面。

(2)   透明(transparent: 可以用東方的“留白”與西方的“渲染”油畫技巧來呈現。東方的“虛實”概念所追求的是一種空靈、潔明與澄澈的通透意象。張仲良在文化母體的孕育下,對於光感與留白和寧靜氛圍的呈現十分敏銳。而在西方繪畫技法與美學的藝術涵養之下,每一個影像對張仲良而言都是一抹筆觸,在悉心的堆疊與錯落之下,展現一種如古典油畫般細膩的透明質感。

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二、      敘事性(narration : 視點動線與敘事性息息相關,東方的畫軸展延為由右至左,西方則恰恰相反,為由左至右。張仲良以繪畫性元素的佈局構圖與畫面解構又再建構的方式,將過去、現在與未來呈現在同一個時間軸線,亦或以時空錯置的手法,營造一種神秘或超現實又耐人尋味的氛圍。

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三、      精神性(spiritualité):從題材的發想、構圖元素其象徵性的琢磨,以及作品視覺性的體現和流露出的“美”感,都源於張仲良對精神性的追求。

 

“窗”的觀念並不僅止於象徵性符碼的角色; 亦非限於畫面空間巧妙轉換的中介,作品整體的不規則切邊,亦可視為包羅整體意象的窗形載體,如『十字窗系列』。作品中的種種細節與元素,如光影、線條、煙霧、色彩、人物與物件的配置等,都有其意境與意涵的考量。每一個局部都如同一個視窗,試圖開啓觀者心扉的共鳴,牽引著觀者的目光,或窺探一種室內私密的情境;或迎向物外開闊的可能性。

 

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原文刊載于『窗 明鏡  透視 La  Fenêtre miroitée . Transparente

張仲良 Chung-Liang CHANG 2009-2013

ISBN 978-957-41-7533-8

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Wu Ming-Hsing -

Returning to the origin of art

 

Wu Ming-Hsing was once without direction and purpose, living a bland and insipid life. A chance encounter- call it fate, call it the will of God – presented him with the impetus of Liu Chi-Wei’s artwork, and this wake-up call opened his path as an artist.

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Through he is typically categorized a “self-taught” artist, the frenzied, diligent hard work he puts into deeply introspective self-portraits, stylistic versatility, and his ability to depict rich narrative is unparalleled. The coming of art was an epiphany; its sustained presence like monastic practice. Accordingly, Wu’s “Self Portrait” series has become his most symbolic work. Self-reflective rather than narcissistic, he consistently explores his role and sense of belonging, in both joy and adversity. His work reflects an exciting, constantly changing life story, depicted in different series.  The portraits in the paintings exist not as superficial characteristics, but instead strengthen the expression of life ad its surroundings. In other words, we feel the artist’s emotions through his portraits, guiding the viewer towards reflection.

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Wu’s diverse life experiences are on full display in the “Little People” series. Leaving behind the strong, subjective, emotional expression seen in the “Self Portrait” series, he captures the bustling crowds in front of him in a manner both curious and warm. At the same time, he has drawn series featuring plants, full of symbolism; some document important happenings in life, others are coded messages to his always-supportive wife, while some pay respects to the creator of all things.

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Also noteworthy is his color and composition. Wu uses colors in two completely different ways: festive and colorful, or dark and melancholy; the canvas is a mirror that faithfully reflects his mental state. He once suffered at his lowest point, tormented by depression, creating a strong contrast between the pain of life, and the joy of painting. This emotional roller coaster splits his painting styles into two, like cycling day and night, each unable to exist without the other. Within the vibrant world of color, he is surrounded by the love of God, friends, and family. He once said, “Green is the color of eternity, a gift from God, allowing us to sing with Him in nature.” Conversely, the harsh realities and pressures of life darken the light, also reflected in his works. As the three primary colors lose their shine, they become a fundamental dark shade.

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Another distinguishing feature of his works is “Full Composition”, utilizing his unending artistic creativity and passionate concentration. Notably, his series featuring plants evoke the works of French artist Seraphine de Senlis (1864-1942), filled with life and a harbinger of the soul. The winding paths of reality, alternating between obstacles and befalling fortune serve as both a reminder to be grateful, and a trial. It is because he has been touched by life, that he now has the power to move others. Wu Min-Hsing’s creations return us to the origin of art, a tribute to nature and its creator, and an interpretation of God’s words. He humbly turns his instinctive feelings into artwork, displaying it for all to see and enjoy.

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Original published in:

 

A Selection of Louis WU

 

WU Ming-Hsing’s Creative Journey 1984-2015, Yiri Arts, P.401

 

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吳敏興-回歸藝術本源

 

吳敏興,曾經找不到人生的方向,順著生活的際遇,過著平淡的人生。

 

然而,某一天,在生命的轉折處受到東方哲學所謂的“機緣”,亦或是基督教所言的“旨意”,因緣際會,吳敏興接觸了劉其偉的畫作,彷彿當頭棒喝,開啟了他一生的藝術追求。

 

吳敏興創作生涯的第一張啓蒙之作是看完劉其偉畫展後,以兒子的水彩用具與滿懷的激動,一氣呵成的“自畫像”。彷彿藉由這次深刻的自我觀看,體認到了他對繪畫的熱情。或許冥冥之中與劉其偉惺惺相惜,他們同樣無師自通,以真誠又直接的態度將所思所念忠實地反饋在畫布之上。

 

吳敏興雖然一般被歸類于“自學畫家”,但在他每日癡狂勤奮耕耘的作品中對自我刻畫之深刻,造型語言之多變,與敘事性之豐富,絕非常人所能及。

 

藝術的來臨如同一種“頓悟”,藝術的持續猶如一種“修行”。自此,“自我肖像”成為吳敏興畫作中最具意義的符號。他的“自畫像”不是一種自戀情結而是一種自我觀照,他不論在逆境與喜樂中,都不斷思考自我的角色與歸屬。隨著畫作背景的換幕,他精彩的人生戲劇也不斷上演。其肖像在作品中的存在,不是一種表象特徵,而是對表達生命與周遭環境感受力的強化符號。換言之,“自我肖像”讓觀者能夠深刻體會到作者的喜怒哀樂,進而引發省思。

 

因為生命中的不同歷練,吳敏興鮮活地表現出『小人物系列』中的芸芸眾生。不同於『自畫像系列』強烈的主觀情緒表述,他以好奇又溫暖的態度,畫下在他眼中可愛又忙碌的人群。

吳敏興藝術創作

同時,吳敏興也創作了一系列充滿象徵意味的自然植物畫作,有的是記錄他一些重要的生活經歷,有的是給長久以來支持他的愛妻的密碼,更有的是向自然的造物主致敬。

 

  

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吳敏興作品的另外一大特色就是“滿版構圖”,這見證了他源源不絕的創意與對繪畫的熱情專注。其中他的植物系列讓人聯想到法國女藝術家賽赫芬(Séraphine de Senlis 1864-1942)的作品, 充滿繁盛的生命力與心靈預示。

 

在現實生活中,峰迴路轉,突如其來的幸運的降臨,對吳敏興來說,除了單純的感恩,更重要的是體會到一種試煉。他經歷了生命的感動,或許正因為如此,他也感動了許多人。

 

吳敏興的創作,似乎回歸到藝術肇始的源頭,是對於造物主與大自然的崇敬,也是對神的話語的詮釋。他以虔誠謙卑的態度將他直觀的感受轉化成繪畫而呈現在世人眼前。

 

 

原文刊載于:

A Selection of Louis WU

WU Ming-Hsing’s Creative Journey 1984-2015, Yiri Arts, P.401

 

 

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法國導演艾飛.貝納Hervé Bernard電影:Empreintes 印記

Court métrage de Hervé Bernard Fiction - 18 min

巴黎特映時間:2015.2.26

三個場次:12:30, 19:00, 20:00

放映地點:Forum des Images 巴黎影像中心 (Les Halles)

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認識法國藝術家Hervé Bernard艾飛.貝納是在2014年十一月«夢土-台法攝影藝術交流展- 台灣與法國風景視野的交會(Rêver la Terre-Une rencontre entre photographes taiwanais et français autour du paysage)»的契機之下。當時他在臺北與巴黎展出的是«莊嚴神聖家庭-回溯-向前-回憶 (La Sainte Famille, rewind – fastforward - souvenirs)» 系列。時間與空間的錯綜關係是他長久以來探討的課題,他藉由變化萬千的造型語言來觀看與呈現對時空的感悟。

身兼攝影家與導演的Hervé Bernard,很難以一般的概念來定義。他說自己的工作是:以雙眼書寫« écrire avec les yeux »。在藝術家個人出版的論文集« 影像觀 Regard sur l‘image »中,瑞士籍導演與攝影家Peter Knapp在序言裏稱Hervé Bernard是« Picture Maker » (faiseur d’images)。他的影像創作方式是以相機拍攝捕捉不同時間與空間的固定影像(image fixe),再透過蒙太奇(photomontage)的手法集結成影片。

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對藝術家來說,其實沒有完全所謂的“固定影像(image fixe)”,因為每一刻透過光影和眼球律動以及機械的互動,其實都是動態的區段。而每個影像也都是故事的一幕,因為沒有一瞬間可以不依恃前因後果而存在。

« Empreintes (印記)»一片故事發生的舞台是--  (Jardin des Tuileries)。在它美麗的外觀下,烙印著各種光明與晦暗的歷史痕跡。它是緊鄰羅浮宮,法國王室的後花園;其中小凱旋門上的馬車雕像,是與威尼斯政權角力下的作品; 它是現代時尚女王香奈兒早晨優雅閑步的伸展台; 也是古代三百名士兵血洗的戰場…。在當代,電影與影集也少不了它的芳蹤,如“欲望城市”的凱莉在這裏失去完美的男友,卻找回了歸屬的真愛。它的美麗與哀愁,愛戀與憎惡,不斷上演也不斷退場。而對於創作者而言,杜樂麗花園隨著四季換幕的視覺魔幻魅力,以及居民和遊客在此聚首與分離的故事性,似乎是別具吸引力的題材。

« Empreintes (印記)»全長十八分鐘,是Hervé Bernard三十年來成千上萬的攝影作品的集大成。不禁讓人發出疑問,不知道Hervé Bernard是不是“杜樂麗花園控”?!然而,根據與藝術家的訪談得知,他其實一開始並沒有設定以杜樂麗花園為主題,冥冥中卻以影像書寫了它三十年。彷彿人生的摸索,沒有定見也沒有期待,直到契機出現,將昔日至今的回憶串連起來。

或許藝術家執著的不是題材,而是享受創作的過程。或許數十年不變的是創作的熱情。Hervé Bernard透過與作家Marco Martella的反覆討論與工作,探索出登場人物的角色與台詞。聲音與音樂也是為該影片特別創作的重要環節,詮釋出無形卻豐富的表情。“演員”間沒有時敘性的關聯,卻都投身在舞台上賣力演出,無意卻努力地留下回憶,觀看也同時被觀看。

影片中每個畫面都經過精挑細選,兼具視覺性與故事性,帶點優雅也富有批判。Hervé Bernard說自己的作品不是“寫實”攝影,因為每個影像都是真實的“再詮釋”,但或許也正因為如此,他的作品更貼近人生百態。

美國攝影家Lewis Baltz 曾說:«攝影可以被思考為小說與電影間緊密又深刻的空間(Il pourrait être utile de penser la photographie comme un espace profond et étroit entre le roman et le film) »。

對於Hervé Bernard來說,書寫與影像是敘事的架構與內容,藉由攝影的手法串聯出流暢的樂章。

 

 電影預告搶先看:https://vimeo.com/116182860 

 

 

 

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Taïwan, est l’une des îles du Pacifique. Dans le sang de ses " peuples océan " coule un magnifique esprit, mais aussi une beauté subtile. Si les gens se reposent, s’abandonnent, les cœurs et les yeux, eux, ne s’arrêtent jamais de vagabonder. Quand ils se posent quelque part, les yeux et les mains capturent et explorent quelque chose constamment.

En se penchant sur l’intérêt des photographes taïwanais au sujet du " paysage ", on découvre que les cheminements variés de leur imagerie mentale, de leur état d’esprit, se complètent et renforcent la richesse de la culture taïwanaise.
De plus, grâce à l’environnement géographique diversifié et à l’arrière-plan historique complexe de Taïwan, les photographes ont pu inventer " une " image photographique particulière.

Le " style taïwanais " répond subtilement à l’attention actuelle qui se porte sur le multiculturalisme. Celui-ci est porteur de la culture européenne de style colonial, de la structure concise et élégante du Japon, de la saveur de l’esthétique traditionnelle chinoise ainsi que des symboles et des émotions locaux.
Ici, je ne songe pas à catégoriser globalement " l’art taïwanais ", qui est à la fois florissant et diversifié, mais à préciser les concepts créatifs et les formes d’art des artistes taïwanais. J’aimerais aussi par une approche ouverte de leur travail, inviter les publics internationaux à explorer conjointement leurs secrets.

L’étymologique occidentale nous dite que le mot " paysage " se réfère à un espace limité, défini par un observateur, à partir d’un point de vue particulier, horizontal ou vertical. Visuellement, il contient des lignes, des caractéristiques et des formes qui constituent un espace. Le thème du paysage se développe ainsi comme une vue d’ensemble incluant une perspective humaniste.

Depuis le XVIIe siècle, la peinture occidentale du paysage a beaucoup changé. Une des caractéristiques de la peinture à l’huile est qu’il faut travailler à plusieurs reprises sur la toile qui devient ainsi le support qui recueillant les images des objets représentés à différents moments. Un paysage peint est en constante évolution, sous l’action des yeux et des mains de l’artiste. Autrement dit, un paysage tend à s’approcher de l’image que projettent ses pensées intérieures. Poursuivant l’élaboration de la théorie de l’art moderne, Paul Klee remarque que " l’art ne reproduit pas le visible. Il rend visible ". Ainsi, un " sujet " comme le paysage peut éveiller l’imagination et l’émotion intérieures des artistes.

Cependant, un " paysage " ne peut naturellement pas concilier à la fois contexte oriental et contexte occidental. De plus, certaines connotations humanistes sont différentes dans les deux sphères culturelles.

Le mot " paysage ", dans le contexte culturel oriental, est interprété en terme de " Shan-Shui " (Montagne et Eau) tant dans les domaines artistique que littéraire, et il joue un rôle essentiel dans l’esthétique chinoise traditionnelle. Depuis l’époque ancienne, les lettrés ont souvent exprimé leurs sentiments au travers du " Shan-Shui ". Cette " notion " est utilisée pour explorer la relation entre l’homme et la nature, que ce soit par la voie de l’imitation de la nature, l’intégration du ciel et de l’homme, ou bien le respect de l’ancien et du ciel. Tous ces mots reflètent la philosophie de l’univers et la pensée intérieure propres à la culture chinoise. Par ailleurs, en disant en chinois " l’homme de bienveillance appréciera la montagne, le sage aimera l’eau ", le " Shan-Shui " devient la projection de l’esprit des gens. En même temps, en observant et en réfléchissant au moyen du " Shan-Shui ", on atteindra la sublimation spirituelle et la sophistication de la pensée rationnelle. À l’époque moderne, avec l’émergence de la forme photographique, on continue de s’intéresser au thème du " paysage ". Ce cheminement est porté par le désir de découvrir l’esprit intérieur, ses diverses manifestations et ses caractéristiques visuelles.

Par conséquent, la représentation contemporaine du " paysage ", à la fois en Occident et en Orient, participe au développement de la nature humaine " universelle ". La rencontre entre photographes orientaux et occidentaux est l’occasion d’un échange renforçant cette exploration de l’esprit.

Les œuvres des photographes taïwanais contemporains reposent sur un certain nombre de concepts-clés qui s’articulent souvent par deux.

T- Témoignage &Temporalité 見證與時間性
Lorsqu’un photographe fixe un instant fugitif sur un cliché, il ne se contente pas de faire une sorte d’empreinte du réel, d’un paysage par exemple. L’image qu’il saisit peut-être non seulement le témoignage de la physionomie d’un paysage, de l’esprit de lieu, d’une des multiples facettes de l’être humain, mais également le reflet de son état d'esprit. Cette image est donc duelle : image reflétant l'extérieur et image incarnant l’espace intérieur de l’artiste en un jeu de résonance réciproque. Elle est à la fois la preuve d’une réalité objective et la révélation d’une vérité intime.
De plus deux temporalités s’imposent dans les images photographiques qui, on le sait, entretiennent une
relation privilégiée avec le temps. Étant une transcription fidèle du réel, une image d’un paysage baigné de lumière changeante, des fragments de vie immortalisés pour résister à l’écoulement du temps, il apparaît que la photographie fixe l'éternité dans un instant figeant ainsi le contenu narratif de sujets que des créateurs peuvent vouloir exploiter. Dans une photographie, est mise en jeu une temporalité “réaliste” qui correspond aux rythmes réels, autrement dit, qui enregistre des objets dans une instantanéité et une temporalité “abstraite” qui constitue un moyen d’expression permettant de transmettre une idée, un sentiment, voire une pensée de type surréaliste dans la " présence réelle " de l’image.

A- Aspect Artistique & Altération 藝術性與變動轉化
La photographie a beaucoup évolué au cours du XXe siècle, mais elle se divise néanmoins en deux champs distincts celui de la photographie documentaire et celui la photographie plasticienne, plus proche du monde de l’art. Cependant, ces deux grands courant ne cessent de se croiser et de se répondre mutuellement. “L’art” se manifeste souvent par la transformation ou l’altération d’un objet par une démarche artistique. C’est donc à la fois un processus de création et un résultat. Pour les artistes taïwanais, la création d'une œuvre ne se fonde pas seulement sur l’association de différentes composantes tels que les couleurs, les lignes, les éléments, les formes, ou sur les pratiques artistiques telles que le photomontage, la mise en abyme, le jeu de texture... etc. Ce qui compte surtout pour eux, ce sont les éléments spirituels et culturels sous-jacents, tels que l'esthétique orientale, les réflexions philosophiques des lettrés, la spiritualité, et la moralité...etc. Les artistes taïwanais puisent leur inspiration à un grand nombre de sources, celle de la poésie, de la littérature, ou de la musique, mais ils tiennent aussi à porter un regard humaniste sur le monde.

I- Image & Image Intérieure 心象投射與觀物取象
“L’image” est une notion clé des esthétiques extrême-orientales que l’on évoque l’emploi des figures emblématiques

dans l'exploitation de leur dimension métaphorique, la transmission des émotions, des sentiments et des pensées, la prétendue " observation " les êtres pour en saisir les images(觀物取象).
Ces images offrent une représentation des objets perçus par l'œil, mais elles la connectent à la sensibilité qui entre inévitablement en jeu dans la perception du réel. Ce que l’artiste cherche à transcrire, c’est une dimension visuelle dans laquelle le nuage ou la lumière peuvent refléter son état d'âme du moment.

En outre, en vue d’“établir l’image pour en saisir tout le sens(立象以盡意)” , certains photographes réalisent des images riches de sens dans lesquelles, par exemple, les montages, l’eau ou les fenêtres, revêtent de multiples dimensions symboliques. Ces images peuvent s’interpréter à la fois comme étant une représentation du monde et une projection du monde “intérieur” des photographes. Ceux qui photographient invitent ainsi des spectateurs à entrer dans leur univers et à découvrir leurs pensées.

W- Water & Wave, L’eau et sa symbolique 水的美學與波光
Des Anciens aux Modernes, de l'Orient à l'Occident, les artistes témoignent d'une fascination commune pour l’eau. L’élément liquide est doté d'une grande richesse visuelle. De nombreuses œuvres ont pour sujet la vibration des reflets sur l'eau, l’écoulement du fleuve, la dynamique puissante des cascades ou des mers, l'immensité de l'océan, etc...
Particulièrement dans la culture asiatique, l’eau fait toujours l’objet de réflexions philosophiques et spirituelles. Dans le Canon de la Voie de la Vertu(道德經),par exemple, Lao-tseu fait l'éloge de l’eau : “L'eau excelle à faire du bien aux êtres et ne lutte point”. Il considère que “ La vertu supérieure des êtres humains est comme l’eau”. La complexité de l'eau et sa beauté font vibrer le regard et le coeur des artistes et invitent à méditer ensemble. Ce sont des sources inépuisables d'inspiration. Pour les artistes taïwanais, issus des peuples océaniques, l’eau nourrit abondamment leur imaginaire et implique leur œuvres dans des jeux significations sous-jacentes. Les vagues peuvent manifester l’état mental, calme ou troublé, des artistes et se contituer ainsi en métaphore de l'inconscient.

A- Abstraction Lyrique & le Regard Analytique 分析與抒情抽象
L’art occidental a évolué d’un art basé sur la figuration vers un art que l’on dit « abstrait », tandis que la peinture chinoise se caractérise, elle, par deux styles : le style réaliste méticuleux et “xieyi”, le style elliptique improvisé qui laisse libre cours aux impressions et aux émotions. Dans l’approche “xieyi”, la libre expression de sentiments se fait le plus souvent par l'évocation d'une réalité imaginaire et non-figurative. De ce style résulte une esthétique spécifique à l’art chinois qui s'adresse à notre dimension spirituelle et à notre sens poétique.
Dans “ l’abstraction lyrique” , qui vise à l'expression directe de l'émotion individuelle dans la peinture moderne, on retrouve cette volonté d'expression pure et libre. C’est elle qui permet d’instaurer un rapprochement entre esthétique occidentale et esthétique orientale.
Le courant de l’art contemporain qui a mis l’accent sur le développement du concept, demande aux artistes de privilégier dans la réalisation de leur œuvre, une approche analytique et d’étudier la forme, la composition, les
éléments et la signification comme composantes de l’oeuvre. Trois démarches coexistent donc en vue de la création d’une oeuvre d’art, l’une qui tend à l’harmonie, les autres qui se basent sur l’opposition entre la sensibilité spontanée et la pensée rationnelle.

N- La Culture Natale & L’Aspect Narratif 文化母體與敘事性
Le paysage, comme sujet, peut être un thème local comme global. Cette exposition, «Rêver la terre», réunit deux idées : l’une se manifeste comme un état surréel et imaginaire ; l’autre se présente comme une “ matrice culturelle ” et originaire. Certaines oeuvres de photographes taïwanais mettent en scène leurs sentiments sur leur terre natale comme sur des pays lointains, ce qui les conduit à créer un monde virtuel où l’imaginaire se confond avec le réel. Par leurs cadrages conscients, ils saisissent des fragments de réalité au moyen desquels ils traduisent leurs émotions, leurs impressions, leurs rêves, leurs souvenirs. Ces images s'élaborent à partir d'une sorte de “ matrice” socio-cuturelle. La “création artistique” est une activité qui consiste en l’invention d’un " univers " qui se révèle pendant le processus de création, qui associe un regard, un sujet et un instant qui finissent par révéler des influences multiculturelles et des temporalités différentes.

Profondément influencés par le mouvement de “ taïwanisation”, qui se caractérise par une attention particulière portée à l’identité culturelle taiwanaise, les photographes présentés ici développent une perspective originale axée sur une esthétique fictionnelle et narrative. Ils restituent fidèlement la réalité perçue qu’ils captent sur le vif, soignent leur cadrage et façonnent leur composition, ce qui aboutit à des tirages d'images aux connotations riches. Afin d'accentuer “l'aspect narratif “ de leur travail, certains d'entre eux privilégient des techniques telles que le photomontage et la superposition qui leur permet de recomposer une multitude d’images à la façon d’une mosaïque.

De plus, «Rêver la terre» tente de présenter ce qui peut constituer un fond commun entre l’histoire d’une communauté et la vision d’un individu. L’ensemble des oeuvres présentées ici constitue une rétrospective historique de la photographie de paysage à Taïwan. Le “paysage” de ce point de vue historique, permet d’appréhender l’évolution qui conduit d’une photographie réaliste à une photographie artistique.

LEE Ming -Tiao, l’un des maître de la génération de la photographie réaliste. Grâce à son œil aiguisé, sa parfaite maîtrise de la lumière et de la composition, il nous enchante par un travail d’une grande complexité narrative. Sa mise en scène et son attention humaniste font de lui le maître de l’avant-garde de la photographie moderne à Taïwan.

CHUANG Ling dit “que la photographie rend naturellement tous les paysages visibles , afin que tous puissent se fondre dans la nature étendue .”
Pendant plus de 60 ans, il a exploré diverses approches de la pratique réaliste, documentaire dans une recherche
purement figurative et esthétique. Il s'est finalement rendu compte que la photographie qui était un moyen d'atteindre la représentation exacte du réel, était aussi un outil de sublimation. Il se voue désormais à la “nature” qui est, selon lui, le seul concept qui permette de tenir ensemble les différents points de vue de l’esthétique réaliste, et de la modernité. Son regard aigu, sa conscience de soi, son approche simple et délicate dans un rendu fidèle des objets, font écho à sa philosophie de la vie. Dans ces oeuvres, il met sur la même ligne son œil et son cœur. Photographier, c'est pour lui, une façon de livrer une part de son âme, une façon de vivre.

Photographier, pour QUO Ying-Sheng, c’est comme raconter son intimité. Ses images de lieux et les instants du quotidien saisis sur le vif se présentent comme les témoignages de ses émotions et de son vécu. Il transforme ce qu’il voit en une sorte de pensée intérieure. Une image de “ grandes herbes sous le vent” peut être une représentation métaphorique de variations émotionnelles. Il exprime ses sentiments qui sont invisibles à travers un objet et sa figuration. Chaque cliché met en scène un “déjà- là” qui se fige pour l'éternité et propose ainsi une dialectique entre réel et imaginaire, entre passé et présent.

Les images abstraites et lyriques présentées dans la série « Rhapsodie en bleu » sont obtenues par la recomposition des découpes de détails agrandis de paysages photographiés divers. Par cette manipulation, SUAN Hooi-Wah tente et parvient à simuler les traits de pinceau de la peinture traditionnelle chinoise de paysage, un art du trait qui joue sur les modulations de l'encre de façon libre et impromptue, pour créer des paysages monochromes aux tonalités riches et délicates. Ses images comme une rhapsodie résultent de ses recherches successives. Ce que l’on découvre dans la fraîcheur, la beauté, la fluidité et le lyrisme de son travail, c’est aussi une expression sans contrainte sa liberté d’esprit. Ses images réveillent en nous des résonances profondes.

Dans la série « Au-delà des reflets de l'eau sur la mer», CHIANG Ssu-Hsien vise à extraire l’essentiel d’une réalité du paysage prise sur le vif. Par les effets de contrastes ombre-lumière, il transforme le paysage et restitue un univers visuel onirique. Ces photos sont les traces de sa présence dans le lieu, de son temps passé, de jour comme de nuit au bord de la mer, mais ce sont aussi ses pensées abstraites traduites en images, des pensées riches en métaphores. L’horizon est cette ligne qui sépare mer et ciel, mais c’est aussi une ligne temporelle, celle qui sépare le jour et la nuit. Son travail et ses réflexions reposant sur la dualité:yin-yang , souffrance-plaisir, constant-changeant, vide-plein etc, renvoient à l’ordre cosmique évoqué par de nombreux philosophes orientaux, tous les êtres, toutes les affaires, suivant une mutation cyclique entre la vie et la mort.

L’ensemble des photos de la série « La Terre, à ’Infini (Endlessness.Mood) » que CHANG Hung-Sheng a réalisé en 2007, est le fruit d’une synthèse numérique, car pour lui, c’est là le seul moyen de représenter sa réalité mentale. Par l’assemblage et la recomposition d’éléments symboliques, il reconstitue son monde «intérieur» qu’un seul cliché de «l’extérieur » n’arrive pas à montrer pleinement. Il aborde les thèmes de la vérité, de l'amour et de la solitude avec ces images d’une simplicité austère qui laissent place à une interprétation libre. Selon lui, « tous ces paysages recréés sont des paysages qui reflètent un état d'âme» et donc un« paysage intérieur» au sens propre. Avec la série «Le Ciel, la Terre et l’Homme (Heaven.Earth.People) » réalisée en 2009, il convoque trois entités agissantes, les trois puissances que sont le Ciel, la Terre et l'Homme, comme ils sont présentés dans Le livre des Trois Caractères(三字經).

Ces entités et ces notions trouvent leur origine dans Le Livre des Mutations(周易), selon lequel le ciel (l'unité yin/ yang), la terre (l'unité flexibilité/rigidité), et l’homme (l'unité bonté/justice) son trois éléments essentiels à la vie. Dans ses images, il construit des paysages fictifs par des compostions de lignes, la maîtrise des effets de lumière et des formes du corps humain, ce qui lui permet de formaliser des questions métaphysiques et philosophiques liées à l’esthétique orientale et à son approche du cosmos et de la vie et de l’existence humaine.

Toutes les photographies de la série «Contemplation, Réflexion, Rocher Ancien» ont été prises entre 1985 et 1977 sur le littoral nord-est Yeh Liu de Taiwan. LU Liang-Yeavn contemple la mer, les vagues et les rochers à l’érosion particulière, et il les immortalise en des images qui vont au-delà du visible. Il en fait le reflet d’une pensée, d’un sentiment ou d’une sensation. Il nous oriente vers l’état originaire d’un objet. Il pense que l’esthétique naît de la contemplation et de la prise en compte de l’écart entre réalité et imagination. Une image est une reproduction visuelle pleine de connotations que chaque spectateur peut interpréter à sa guise. Ces images sont à la fois les témoignages fidèles de ses réflexions sur la nature et sur l’ordre cosmique. Pendant les moments où l’auteur fait de la photo, il vit à la fois avec le changement des saisons et les rochers sculptés par le temps long de l’évolution.

Dans la série « Les images de l’encre», par la mise en scène soignée de colonnes et d’escaliers, HUNG Shih- Tsung capture des images d’une grande force narrative et fantasmatique. Par les nuances infinies de lumière et d'ombre qui séparent le blanc du noir, par la maîtrise de la profondeur de champ qui met en place un contraste efficace entre l’avant-plan ou l’arrière-plan, il impose dans ses images un climat dramatique. On remarque aussi le rythme que créent les colonnes et la dynamique de l’eau. Par ces images qui révèlent la dialectique entre mobilité et immobilité, HUNG nous invite à aller au-delà des apparences et à explorer le fond de notre coeur.

Dans la série « Images de mémoire bizarres » réalisée en 2009, HUNG prend en photo des bâtiments vacants, déserts, et ensuite, en manipulant les techniques de montage et de synthèse, il recrée une image d’un lieu de vie “in situ”. Par les choix des fragments symboliques, il imagine des histoires qui se passent dans l’avenir ou des histoires qui n’ont pas eu lieu là.

Avec la série « Les paysages regardés», HUANG Wen-Yung aborde la question de la relation entre le regardant et le regardé, entre créateur et créatures à travers la représentations de paysages. Il pose ainsi des questions sur des enjeux esthétiques (beauté, laideur) qui sont subjectifs. Il peut superposer une image qui évoque la laideur sur une image de paysage soignée et retouchée selon les standards d’une certaine beauté, pour produire un effet de contraste qui nous conduit à une réflexion sur le caractère subjectif de toutes les productions visuelles humaines. Une image de paysage porte donc l'empreinte personnelle de l’auteur. Elle est imprégnée par ses propres préjugés et opinions. Par la synthèse numérique des images, chaque photographie de cette série n’est plus la saisie d’un moment décisif permettant d’exprimer un sentiment, mais une reconstruction de la réalité d’un monde mental par l’assemblage d’images de plusieurs instants. Chaque image revêt ainsi de multiples symboles, elle est comme un poème lyrique silencieux dans lequel l’auteur s’exprime pleinement.

De son errance visuelle aux quatre coins du monde, HUANG Hua-An mène une recherche esthétique orientalisante. Cette série « Chemin d'Étoiles » rassemble les images, les poèmes et les textes réalisés pendant ses divers voyages. Le cadrage, le choix et la composition des éléments évoquent ses sentiments, ses désirs et ses pensées. Il en propose une représentation sans fard , celle de son univers mental. En cherchant la solitude la plus complète et une grande liberté, l’auteur tend l'oreille pour mieux écouter les chuchotements qui montent du fond de son coeur. Grâce à l’harmonie qu’il instaure entre poème et image, une atmosphère onirique et subjective enveloppe ses photos qui contiennent aussi un caractère objectif. Car c’est aussi un observateur des vicissitudes des saisons et des paysages de leurs variations au cours du temps. Avec son objectif, il instaure un regard distancié et même détaché sur ce monde changeant.

CHANG Chung-Liang est un voyageur qui flâne dans le temps et l’espace qui cherche à souligner la valeur symbolique variable des «fenêtres» dans la série intitulée «La Fenêtre miroitée. Transparente » qui se compose d’images réalisées à partir de photomontages. La fenêtre apparaît ici comme un objet transitionnel entre l’intérieur et l’extérieur, comme un lieu de passage donnant accès au monde réel et à l'intimité.

La vision du paysage s’étend. Il apporte une attention soigneuse à l'arrangement des éléments dans chaque mosaïque d'images. Les effets d'ombres et de lumières, l'utilisation des lignes, la présence de brume, la mise en scène des objets, etc..., tout cela lui permet de constituer un ensemble harmonieux sur lequel le photographe projette son propre univers mental dans les périodes différentes. Chaque détail, comme chaque fenêtre, entre en relation avec le temps et l’espace. Chaque image évoque une résonance mentale avec les spectateurs et attire leur regard à la fois sur l’intimité des espaces intérieurs crée et l’attire vers l’extérieur et au-delà encore, dans le grand dehors.

2014“夢土”台灣法國攝影家國際展   

 

Lien: La Revue TK-21:

http://www.tk-21.com/Quand-Taiwan-devient-un-style

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2014“夢土”台灣法國攝影家國際展  

 

台灣,太平洋中的一方島嶼。人們身上流著海洋民族的血液,有一種壯闊的胸懷,又有一種含蓄的美感。在一 處棲息,心與眼卻從不停止飄泊;在某處駐足,雙眸與手卻不斷補捉與探索。綜觀台灣攝影家對於風景的關注, 其心象與意境的轉折,與台灣風土的豐富性相得益彰。台灣多元的地理環境與錯綜複雜的歷史背景造就了特殊的 影像創作風格。“台灣風格”巧妙地呼應當代對多元文化的關注,蘊含歐陸殖民文化的風貌、東洋簡明雅致的結 構、中國傳統美學的韻味還有本土的符號與情感。本文不敢企冀將百家爭鳴又蓬勃多元的台灣藝術概括分類,但 求以一種宏觀的角度為西方與國際觀者簡明闡釋藝術家的創作概念與藝術形式,進而共同探尋其中的奧妙。

“Paysage (風景)” 從西方詞源學的概念來說,是指由觀察者從某一特定視點進行水平或垂直觀察所截取的 有限空間。視覺上包含了空間的線條、特徵與形式,進而推廣為人文風貌的綜覽。自十七世紀起,西方風景畫有 了長足的發展,油畫反覆琢磨的特性,讓畫布儼然成為承載被描繪物象在不同時間的集錦。風景在藝術家眼與手 的交互作用下不斷變化,或可說不斷趨近創作者內心的投射。現代藝術理論更進一步發展出 : 「藝術並非再現可 見的事物,而是讓萬物變得可見」“L’art ne reproduit pas le visible. Il rend visible ”. 將藝術家自主性的內心 想像力與情感發揮得淋漓盡致。

然而,“Paysage ”依照客觀的地理條件,其在東西方自然不能等量齊觀,再加上其被賦予的人文內涵,在東 西方的表現上更是各有千秋。

“ Paysage ”在東方的文化脈絡中被演繹為“山水”的藝術與文學形式,是中華傳統美學中重要的課題之一。 自古文人雅士往往寄情山水,寓景抒懷。甚而被用來探討人與大自然的關係,無論是道法自然、天人合一或是 崇古尚天,皆反映出華夏文化獨特的宇宙觀與內在哲思。又「仁者樂山,智者樂水」,“山水”是人們心性的投 射,同時藉由觀想“山水”達到心靈的昇華與理性思辯的精進。

在近代,隨著攝影形式的出現,該題材對內在心靈探尋的豐富性,以及可發揮的多元表現形式與視覺特性,使 得“ Paysage ” 在至今仍然是藝術家持續關注的主題。 於是,東西方對“ Paysage ”的當代表現又似乎發展出 了一種關乎人類本質的“共性”。由此,也開始了彼此交流與心靈探索的契機。

接下來將以幾個關鍵概念來闡釋當代台灣攝影家的創作理念:

T- Témoignage & Temporalité見證與時間性

快門瞬間的記錄不僅是對於地貌的地理性關注,同時也可能是對人文議題的凝視,更可能是作者內心的投射,因 此作品就產生主觀性與客觀性的見證(Témoignage),精準地捉住地景的瞬息萬變與作者心緒的起伏。而“時間 性”(Temporalité)則展現在如觀察光影對風景物像的刻畫,亦或是反襯事是人非的感懷,或者如電影敘事性的 定格,遂成為創作者喜愛探討的題材。此外,作品中可能有寫實的時間性,也就是拍攝的那一剎那對客體的記錄; 同時也有抽象的時間性,也就是一種超現實或者奇思妙想的時空轉化。

A- Aspect Artistique & Altération 藝術性與變動轉化

由於攝影創作經歷了長時間的演進,逐漸形成紀實攝影與造型藝術攝影的不同流派。然而,兩者仍是彼此相關 的。簡言之,藝術性(Aspect Artistique)就是一種對客體的變動與轉化(Altération),它可以是一段過程也是 一個結果。對於台灣的藝術創作者來說,藝術性的建構不僅是創作獨特的造型語彙,如用色、構圖元素、拼貼、 複像、肌理...等。更重要的是關注凝聚成語彙背後所需的精神性與文化性要素,如東方美學、文人風範、人性關 懷、道德修養等;亦如詩境與音樂或文學的融合與轉化。

I- Image & Image Intérieure 心象投射與觀物取象

“象“(Image)在東方美學中占有獨特的地位,所謂:觀物取象(Observer les êtres pour en saisir les images) ,便是以眼與心觀察物象後,類比出一種符合內心想像的景物,或進而探尋出一種超脫物外的意境,如對於雲或 光影的關注。再者,又如所謂的立象以盡意(Etablir l’image pour en saisir tout le sens ),創作者捕捉或型塑出 一種豐富的影像來承載與蘊含多元的思想和情感,如“山”、“水”或“窗”等富含象徵意義的符號。這也是一 種創作者內在思慮的心象投射 (Image Intérieure),讓人們能觀其所觀,思其所思。

W- Water & Wave, L'eau et sa symbolique 水的美學與波光

“水”(Water)似乎是古今中外創作者都喜歡表現的美學題材。“水”不僅有視覺上的豐富性,如它的波光,動 勢,浩瀚,娟秀等; 尤其對東方思想而言,“水”更被賦予一種精神性或哲學性,如<道德經>中對水的比喻。水 光灔瀲(Wave), 轉瞬即逝又變化萬千的美感,往往深深吸引創作者的目光,進入一種心緒隨之起伏蕩漾的冥想 狀態。同時,波光流轉也可外顯出創作者波濤洶湧的內心或心止如水的境界。台灣藝術家帶著海洋民族的情感, 對於“水”或許有更多的情懷,如海納百川的胸襟,又如雲遊四海的飄逸。

A- Abstraction Lyrique & Le Regard Analytique 分析與抒情抽象

西方藝術探討具象與抽象,而東方則探究寫實與寫意。然而,在近代東西方文化匯流與現代思潮交融之際,產生 出了一種“抒情抽象(Abstraction lyrique)”。即主張創作者擺脫了智識或理智的束縛,以非具象的元素自然 地抒發情感。東方藝術家一向習於以寫意或非具象的方式來表達情境,這對東方人來說似乎更顯意境深遠。由 此,或可說“抒情抽象”開啟了東西方文化互相理解與共感的切入點。與此同時,當代藝術著重概念的論述,讓 藝術家創作時必須針對自我與作品進行“分析(Le regard analytique)”,從創作形式、構圖、元素、象徵意義 與概念等一一剖析。一件作品便在理性與感性的交融與拉鋸中應運而生。

N- La Culture Natale & L'Aspect Narratif 文化母體與敘事性

“風景”這個議題的表現可以在地化,也可以跨域化。“夢土”結合了兩種概念,一者為超現實的、如夢似幻 的、引領夢想的境界;一者為原生的、踏實的、涵養自我的“文化母體(La culture natale)”。 創作者所凝視的 風景有對故土的情懷,也有對異地的轉化。“創作”其實是一種文化想像,從觀看的角度到議題的選擇和取景的 瞬間,都會反映出不同階段與多元文化的影響。

台灣藝文圈在本土化風潮的影響之下,攝影家對於鄉土產生了獨特的視覺論述。他們如實地呈現了某一瞬間的風 景,同時,卻也以他們獨特的視點和敘事方式展現了另一個空間面向。“敘事性(L'aspect narratif)”對攝影者 十分重要,藉由畫面場景的安排和人物或事物的點景配置,便營造出一種情境來引人入勝,進而激發出無限的想 像空間。如蒙太奇的手法,或畫面的切割重組,或不同時空的錯置都能讓作品的故事性更為豐富。

此外,« 夢土 » 這個主題還欲呈現的是群體歷史的共感和個體獨特的視野。若以歷史的演進來探討台灣藝術家對“ 風景”主題的創作,便可得知早期攝影由紀實性逐漸走向藝術性的脈絡。前輩藝術家李鳴鵰 (LEE Ming -Tiao), 擅長以寫實風格捕捉別具寓意的風土民情。對光與影的敏感度,再加上對造型的追求以及用人物點景營造出的敘 事性,讓他成為現代攝影藝術的先行者。

莊靈(CHUANG Ling), 主張“讓攝影自然地呈現人世間的一切可見光景,讓一切可見光景全都回歸於浩渺無 垠的大自然”。在超過六十年的攝影創作生涯,歷經多元風格的演變和人文紀實與現代美學的轉化,他體悟到唯 有“自然”的概念,可將「寫實」、「美學」和「現代性」融會貫通。以敏銳的視野直觀自我的本心,以平實又 細膩的手法忠實呈現物象的狀態,這或許也呼應了莊靈的人生哲學。

郭英聲(QUO Ying-Sheng )視創作為一段生活的紀錄。將所見所感轉化成為內在世界的風景。經由不同地理與虛 實空間的彼此轉換,醞釀出或濃或淡的心境變化。回憶超越了時間的軸線,現實與夢境,當下與過往,都在按下 快門的瞬間,停格成了他永恆的記憶風景。他將無形的情感依附在有形的物象上,如同“風吹草動”,暗喻出情 緒的波瀾起伏。

全會華(SUAN Hooi-Wah) 在《藍色狂想曲 Blue Rhapsody 》(2013)一系列的風景中,所呈現出的抽象影像是 由具象的細部所提煉出來的。讓我們看到類似中國山水的形態,但又不完全為模仿山水而拍攝。在影像中所呈現 的這些偶發的卻又經漫長醞釀的線條,是他恣意不斷遊走、不停探索所發掘出猶如狂想曲一般豐富的影像。讓影 像如不受形體拘束的自由靈魂,如行雲流水般流竄,與創作者的內心世界產生共鳴。

江思賢 (CHIANG Ssu-Hsien) 的《海上星光(Starlight of the sea/Au-delà des reflets de l'eau sur la mer)》系 列,以實景體現抽象,在不同光影的烘托下,營造如夢似幻的意境。此外,創作者呼應了中文以“光景”比喻時 間的概念,他長時間觀察晝夜海邊的自然與人文光線變化,證明了他的“我在”。江思賢的心境隨著海景轉化, 其拍攝的影像暗示了他的“我思”。海平面是水與天的空間分野; 地平線是日與夜的時間分隔。對風景的凝視與深 慮讓他參透出“日夜陰陽兩極;生命生活兩極;苦樂實虛兩極!”無論時空如何轉換,都是一種生命循環。

張宏聲(CHANG Hung-Sheng)於2007年發表《無盡.境》系列,以數位影像合成手法重新創造出滿足心象投 射的風景。藉由符號的重組建構來探求外觀真實的影像所不能完全體現的心靈情境。將真理、愛情以及孤寂的主 題以其簡潔的形象與象徵性的元素來詮釋。他認為:「造境,只為表白我深層的心境,表白我更真實的靈魂!」。 2009年發表的《天.地.人》系列,呼應了中華文化中《三字經》裡所謂的三才,甚至可上溯到《周易》的陰陽立 天,剛柔立地,仁義立人的概念。指的是構成生命現象與生命意義的要素。創作者以人體來演繹大地,以精湛的 手法與邊緣光描繪模擬出天地的廣袤,也反映了東方美學的哲思。

呂良遠(LU Liang-Yeavn)的《眼見、觀思、磐古》 系列作品是彙集1985~1987年間長期觀察野柳(Yeh- Liu)這片台灣北海岸的成果。從對奇石巨浪地反覆觀想,到將有形的外在物體轉化成內心的悸動與共鳴,作者透 過攝影的屬性將剎那變為永恆,引領我們走向觀看物體本質的境界。他認為真實與幻境之間因有“距離”的觀想 而產生美感; 物象的象徵意義與潛在意涵則是開啟與擴展想像空間探索的關鍵。拍攝期間,作者時而與磐石共存、 共感,體會著潮來潮往與季節更迭;時而跳脫出來,客觀地觀思著屹立在亙古時空中的奇石,記錄下它們被環境所 刻劃下的時代容顏。

洪世聰(HUNG Shih-Tsung)的《墨像之境》系列,以廊柱與階梯塑造出如劇場佈景又如神殿般的效果,強化了“ 敘事性”也增添了一抹神秘感。對於黑與白以及前景與景深之間對比性的掌握,強化了戲劇張力。重複的廊柱結 構產生了韻律感,也與水面的動靜之間相互協調又相互制衡。作者希望“使觀看者進入影像的表象與內心的景深 塑造差異”,進而激發出無限的想像空間。2009年的《異魅.憶影(Bizarre Images of Memory) 》,作者拍攝呈 現空靈狀態的建築物後,運用合成與拼貼手法試圖再現這個空間曾經承載的生命溫度。或者選取並集結能反映自 我心象投射的圖像,想像出更多未來或未知的故事。

黃文勇(HUANG Wen-Yung) 藉由《被凝視的風景 (The Gazed Scenery)》系列來思索大自然造物主與人類創 作者的關係,以及進行對“美”與“醜”的批判。他用賦有“醜的美學”的影像來“潤飾”大自然遭受人為“刻 畫”後的樣貌。讓觀者在“美”的標準檢視下,更凸顯出人為痕跡的衝突感。進而隨著作者的詩文與影像,不斷 地反思人對大自然環境的態度。憑藉影像的合成,讓攝影從“捕捉某個瞬間,來表達當下情感”轉化為“重組不 同瞬間,來建構內在世界的感受與概念”。表面上看似和諧平靜的影像,有著寧靜沉寂低調的情緒,實則隱含著 心靈的無奈與惆悵的詩意,最後化作無語的風景凝視。

黃華安(HUANG Hua-Aun)行腳踏遍江山萬里,唯對東方美學情有獨鍾。《星圖航道》系列,是他走遍大江南 北集結的影像與詩文創作。作品中的構圖與象徵元素流露出作者的內心想望:他期望“到達,一個孤獨與自由的 高度”;他走在“多歧的一條航線上,仔細凝聽,夢在遙遠的風暴裡,輕輕的呼喚”。影像藉由作者“詩情畫意” ,營造出寫實卻如夢境般的風景。他靜靜地看著物換星移與時空流轉,細細地品味“觀自在”。

張仲良(CHANG Chung-Liang)在《窗‧明鏡‧透視(La fenêtre miroitée. Transparente)》的系列中,如“徜 徉於時空經緯的旅者(un voyageur qui flâne dans le temps et l'espace)”,藉由“窗”這個具有象徵意義的 中介,來巧妙遊走於心靈與現實的空間。風景的視野往四方延伸,而其中的細節與元素,如光影、線條、煙霧、 色彩、人物與物件的配置等...,都有著意境與意涵的考量,並融入了作者不同時期的心境轉換。每個局部都如同 一個視窗,串聯時間與空間的軸線,試圖開啟觀者心扉的共鳴,牽引著觀者的目光,或窺探一種室內私密的情境; 或迎向物外開闊的可能性。 

發表于“夢土”台法攝影藝術家交流展展冊 2014

相關連結:法國藝術學術誌:http://www.tk-21.com/article555

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我的寫作有兩種形態

一種是工作

一種是休息

幸運的是

兩種都與藝術有關

 

在寫部落格前

雖然在看展覽或觀察事物的當下

都有想記錄下來的衝動

但是那些吉光片羽

就像是沿著前進的步伐

一路飄灑的花瓣

隨時間流轉

便已隨風而逝

 

而有了部落格後

就像植入了一棵樹苗

那些充盈的想法和靈感

找到了可以澆灌之處

或許它終將茁壯

或許它日趨衰頹

但它見證了自己某段時間的成長

 

有天

一個文藝造詣頗高的朋友看了我的部落格

說可惜都看不懂

給了我很大的打擊

因為寫部落格的初衷

本在於將藝術的理念推廣給更多人

而不是僅限於藝術圈內人的孤芳自賞

或武林大會(沒有褒貶之意)

更重要的是

我本來也就不是個理論派或嚴肅的學者

記得第一天上美學的課

索邦大學的教授滔滔不絕地講著西方美學理論

那如歌的法文

對我來說卻像孫悟空的緊箍咒

在我頭痛不已的時候

教授看到我眉頭深鎖“深思熟慮”的樣子

(唯一的亞洲學生果然目標明顯)

就問了一句“你懂我在說什麼嗎?”

我隨口就答了一句:“我不知道我懂得是不是你希望我懂的?”

教授聽了大喜

馬上說:“你真是有美學的慧根!”

讓一向稱讚別人非常“間接”的法國人直接稱讚

從此我那摸不著邊的傻笑被大家視為“高深莫測”的微笑

我茫然失措的雙眼被理解為“若有所思”的深遠眼光

理論辯證加上率性幽默

就是我的生存之道

同時也養成了我的雙重個性

很嚴肅也很隨性

唯一可以確定的是

我文如其人,人如其文!

 

 

2015.3.18記於巴黎早春的櫻木花道

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江思賢2014所創作的«妙境» 系列,維持了對人與環境相互關係的關注,

藉由光與影、黑與白的巧妙掌握,創造自然的對立與和諧

江思賢  

人體的線條如丘壑般起伏,和諧地融入無垠的天地。

2014江思賢05  

同時,在雲霧與光線的繚繞下,人體又營造出了虛與實的對位關係。

光陰從時空的罅隙滲入畫面,創造出多元的視覺效果,影像在慢慢隱沒卻也漸漸顯現。

時空的流轉,在人、事、物上幻化無窮。

2014江思賢03  

為了達到視覺上的細膩感與承載意境上的豐富性,畫面中的構圖元素,都是作者精心佈局的符碼。

從微觀到宏觀,從聚焦到延義,思辨與觀想的議題都在鏡頭的縮放之間得到詮釋的空間。

2014江思賢09  

   

【江思賢 Chiang Ssu-hsien


江思賢從事攝影影像創作與攝影教學,現為「江思賢攝影藝術工坊」負責人。

曾任台灣各大報章雜誌之攝影記者,從事攝影創作26年,2006年開始專職創作。

重要專題系列作品:

「三更擺渡」、「流轉」、「唉嘛噢」、「真空妙有」、「Homeless」、「家非家」、「海上星光」、「行於寂靜」等系列。

創作理念

江思賢的系列作品試圖探問生命的價值、時間與空間之相對應、人們對於安身之處的涵義,試圖衝撞人們對膚淺表像的理解,以促使觀者對於自身意義、生命與他人關懷的深刻反省。其細膩與富含人文氣息的視覺風格,使得影像多呈現ㄧ種沉思的辯證關係。

重要展覽(節錄)

作品曾參與日本東京Nikon Salon個展(2005)、第一屆台灣美術雙年展(2008)、三屆中國平遙國際攝影大展(201020132014)、2011台灣新世代攝影展 台北當代館、2011時代之眼臺灣百年身影 北美館、2012《出社會》聯展 高美館、第三...屆大理國際影會(201120122013)、20122013台北攝影節、2013北京國際攝影週等展出。Taipei Art Photo Show(2014), « 夢土-台法攝影藝術交流展- 台灣與法國風景視野的交會(Rêver la Terre-Une rencontre entre photographes taiwanais et français autour du paysage)»,法國巴黎Galerie Impressions&Galerie Episodique.

 

重要典藏(節錄)

2011«家非家»作品榮獲國立台灣美術館典藏、2012«行於寂靜»作品榮獲大理國際影會典藏、2013«家非家»作品榮獲高雄市立美術館典藏。

 

感謝藝術家本人提供作品影像與資料

 

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馬鈴薯的藝想世界

法國藝術家 Michel Devaux

法國藝術家   

 

Dec.2013

 

    三十多年的廣告專業背景,讓米歇爾培養了一種能力,讓他所創作出的圖像能瞬間吸引觀者的目光,並具有強烈的渲染力能與大眾共感。其隻字片語或圖像,往往令人莞爾一笑,時而又發人深省。

    延續著對創作的熱情,米歇爾的藝術生涯歷經寫實派與結構主義的淬鍊,然而他始終秉持著“要畫出自己從來沒看過的畫”的信念。因此,在他探索造型語言的漫長過程中,他一直在找尋一種同時能夠承載其幽默又深沉的思想;又能讓觀者引起共鳴並指涉自身的獨特“符號”。他嘗試過幾何結構、建築體、象徵性的人像…等等,但他仍不斷地追尋一個既能象徵群體社會性又能體現人性溫度的“客體”。直到有一天,“馬鈴薯”悄然地走入了他的藝想世界。

    在一次長途旅行返家之後,偶然發現了被遺忘在廚房角落的一袋馬鈴薯,個個伸長了白色的手臂,彷彿在向主人呼喊,想要掙脫麻袋。於是乎一向靜默的馬鈴薯展現出了一種生命力和戲劇張力,從此成為米歇爾筆下的主角與靈感的繆思。

    有別於大眾對馬鈴薯的刻板印象: 靜默、平凡又隨處可見。在米歇爾眼裡,馬鈴薯有著自己的人性特質與喜怒哀樂,依照作者不同的構圖佈局蘊含著不同的人生哲學以及反映出生活的酸甜苦辣。繪畫的主題可以是小人物的日常生活,可以是作者的自畫像,也可以是王者的肖像。事實上,馬鈴薯在法國文化中,也有一段戲劇性的發展。藥劑師安端.奧古斯丁.帕蒙提耶 (Antoine Augustin Parmentier1737–1813)在1778年出版了《馬鈴薯的化學分析》一書,引起伏爾泰(Voltaire),特別是國王路易十六的興趣,甚至還親自推廣。馬鈴薯遂成為市井小民到王宮貴族皆不可或缺的民生必需品。這也呼應了米歇爾一部分的創作哲學: 就像人類可能具有相同的本質,但可能因為不同的外在條件,幻化成了不同的人生角色。

    有時候馬鈴薯看似幽默生動的佈局下,實際上卻隱藏著對社會的批判,它們如同一盤棋子,走著社會規範下的路或者活在現實的框架中。

    由於尋找馬鈴薯創作的素材與靈感,讓米歇爾對人性與周遭環境的觀察更為細膩與敏銳。有一天,畫室對面鄰居家的窗戶透露出的微弱燈光,吸引了每日埋首創作的米歇爾的目光。他發現一個蒼白的老人,靜默地待在自己的世界。他決心主動釋放出一點關心,從那天起,米歇爾每天畫一張素描貼在畫室的窗戶上,獻給他的鄰居瑪麗。他們彼此在觀看與被觀看的過程中培養出一種默契和溫暖。瑪麗每天如果看到素描就會在窗前點一盞燈,終於,在他的關心下,身體日漸好轉。數百張名為《給瑪麗的素描》系列於焉誕生,至今仍持續不斷。這也成為米歇爾每天創作的動力之一。

    米歇爾所構築的“馬鈴薯王國(Patatland)”,有著小人物生活的韻律,有著人情冷暖,有著辛辣的時事嘲諷,也有著人際關係的苦澀與甜蜜。活潑與獨具巧思的構圖背後,蘊藏對人性的關懷與思考。他用彩筆作為調味料,調配出馬鈴薯不同層次的溫度與滋味。

 

相關網站: http://www.micheldevauxparis.com/ 

 

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Surveiller et punir  

 

Trente ans de carrière dans la publicité ont appris à Michel Devaux à fabriquer des images accrocheuses dans lesquelles le public peut s’identifier. Un mot ou un dessin suffit à nous faire sourire, souvent, réfléchir, parfois.
Épris de création, il a d’abord été influencé par les réalistes et les structuralistes avant de se fixer comme cap de ne donner naissance qu’à des « œuvres de lui inconnues », à une terre inexplorée. Ainsi, pendant le long cheminement que constitue le façonnage d’un langage propre au peintre, il a toujours cherché à mêler, dans ses tableaux, l’humour à une pensée profonde, éveiller chez les gens les mêmes résonances et leur proposer ses « signes » particuliers. Quelles que soient les techniques utilisées, qu’il utilise la symétrie, l’architecture ou le symbolisme, il n’a eu de cesse de tendre vers une certaine « objectivité » pour à la fois refléter ce que sont les groupes sociaux et ce qu’ils produisent d’humanité. Jusqu’au jour où la « pomme de terre » s’est immiscée subrepticement dans son univers artistique…
Voici l’histoire : de retour chez lui après un long périple, il retrouve un sac de pommes de terre qui dormait dans un placard de la cuisine. Sur chacune d’entre elles avaient poussé de longs bras blancs qui semblaient le supplier de les libérer de leur prison. Ces tubercules, d’ordinaire muets, s’étaient animés, dans un style quelque peu emphatique. Depuis, telles des muses, les pommes de terre sont devenues le sujet central de ses œuvres.
Leur interprétation n’en donne pas l’image stéréotypée qu’en ont la plupart des gens : silencieuse, ordinaire, banale. A ses yeux, la pomme de terre possède tous les attributs de la nature humaine, avec ses corollaires émotionnels : aussi ses compositions peuvent-elles refléter toute sorte de concepts philosophiques sur l’existence et ses nombreuses vicissitudes. Ses tableaux peuvent aussi bien représenter des inconnus pris dans leur quotidien, que lui-même ou des personnes d’exception. Et de fait, pour ces dernières, l’évolution de la place de la pomme de terre dans la culture française a un côté théâtral. Antoine Augustin Parmentier (1737-1813) a publié en son temps « Analyse chimique de la pomme de terre », livre qui a retenu l’attention de Voltaire et de Louis XVI qui n’a pas manqué l’occasion d’en faire lui-même la promotion. La pomme de terre est alors devenue un produit de première nécessité, indispensable à l’homme de la rue mais aussi aux personnalités de la cour. Cela renvoie partiellement à la philosophie créatrice de Michel Devaux : par exemple, certaines personnes peuvent paraître fondamentalement semblables mais les conditions extérieures font qu’elles empruntent des cheminements différents.
Parfois, sous son vernis humoristique, une peinture peut, en réalité, cacher une critique sociale, les patates étant assimilées à des pièces d’échiquier qui suivent le chemin tracé par leurs semblables ou vivent dans le carcan imposé par la réalité. (Plus profondément, la mise en scène de la pomme de terre symbolise la vie de l’auteur à différents stades de ses souvenirs et de ses histoires. Quelquefois, l’auteur se cache délibérément derrière le « masque » de la pomme de terre pour observer le monde qui l’environne et réagir.)
En cherchant matière et inspiration dans la pomme de terre, Michel Devaux a affiné son sens de l’observation de la nature humaine et de ce qui l’entoure, comme en témoigne cette anecdote : un jour, un petit rai de lumière provenant de l’appartement d’en face a atterri dans son atelier et attiré son regard, lui qui ne levait jamais le nez de son travail. Il a alors aperçu une vieille dame, un peu pâle, qui se tenait silencieusement dans son monde et le regardait. Ils ont parlé par la fenêtre… et depuis, Michel dessine chaque jour un croquis qu’il colle à sa fenêtre en guise d’offrande pour sa voisine, Marie. De leurs séances d’observation mutuelle est née entre eux une sorte de complicité, de chaleur. Dès qu’elle voit affichée son esquisse, elle allume sa lampe. Grâce à ce témoignage d’attention, Marie a retrouvé un certain appétit de vivre. Quant aux centaines de « dessins à Marie », série toujours en cours de production, elles servent au peintre de moteur dans sa pratique artistique quotidienne.
Dans le « Royaume des patates » dont il est le fondateur, on retrouve le quotidien des gens de la rue, leur vie sentimentale, une satire acerbe de l’actualité ainsi que l’amertume et la douceur des relations humaines. La composition de ses tableaux, vivante et subtile, exprime l’intérêt qu’il porte aux gens et une réflexion sur la nature humaine. Avec ses crayons de couleur pour épices, il marie les différents degrés de chaleur avec les innombrables nuances gustatives.

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