視裡物外-徜徉於時空經緯的旅者
~張仲良 Chung-Liang CHANG
張仲良的『窗系列』從2009年發展至今，歷經多次變革與演進。從早期對人物的佈局（mise en scène）: 室裡物外場景配置的關注; 到戲劇性(théâtralité)的營造; 以及對“窗”這個媒介本身概念與視覺語彙的探究; 乃至於其在法國巴黎第一萬神殿索邦大學(Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne)『觀褶皺』論文的學理論述。恆長不變的是對時空移轉觀念的探索、對作品敘事性的展延與東西方造型與美學觀的融會貫通。
從東西方比較美學的角度，張仲良作品大致可以三大觀點來一窺堂奧：
一、透視與繪畫性（picturalité）：其“透視”可以兩種方式解讀。
Wu Ming-Hsing -
Returning to the origin of art
Wu Ming-Hsing was once without direction and purpose, living a bland and insipid life. A chance encounter- call it fate, call it the will of God – presented him with the impetus of Liu Chi-Wei’s artwork, and this wake-up call opened his path as an artist.
Through he is typically categorized a “self-taught” artist, the frenzied, diligent hard work he puts into deeply introspective self-portraits, stylistic versatility, and his ability to depict rich narrative is unparalleled. The coming of art was an epiphany; its sustained presence like monastic practice. Accordingly, Wu’s “Self Portrait” series has become his most symbolic work. Self-reflective rather than narcissistic, he consistently explores his role and sense of belonging, in both joy and adversity. His work reflects an exciting, constantly changing life story, depicted in different series. The portraits in the paintings exist not as superficial characteristics, but instead strengthen the expression of life ad its surroundings. In other words, we feel the artist’s emotions through his portraits, guiding the viewer towards reflection.
Wu’s diverse life experiences are on full display in the “Little People” series. Leaving behind the strong, subjective, emotional expression seen in the “Self Portrait” series, he captures the bustling crowds in front of him in a manner both curious and warm. At the same time, he has drawn series featuring plants, full of symbolism; some document important happenings in life, others are coded messages to his always-supportive wife, while some pay respects to the creator of all things.
吳敏興-回歸藝術本源
吳敏興，曾經找不到人生的方向，順著生活的際遇，過著平淡的人生。
然而，某一天，在生命的轉折處受到東方哲學所謂的“機緣”，亦或是基督教所言的“旨意”，因緣際會，吳敏興接觸了劉其偉的畫作，彷彿當頭棒喝，開啟了他一生的藝術追求。
吳敏興創作生涯的第一張啓蒙之作是看完劉其偉畫展後，以兒子的水彩用具與滿懷的激動，一氣呵成的“自畫像”。彷彿藉由這次深刻的自我觀看，體認到了他對繪畫的熱情。或許冥冥之中與劉其偉惺惺相惜，他們同樣無師自通，以真誠又直接的態度將所思所念忠實地反饋在畫布之上。
吳敏興雖然一般被歸類于“自學畫家”，但在他每日癡狂勤奮耕耘的作品中對自我刻畫之深刻，造型語言之多變，與敘事性之豐富，絕非常人所能及。
法國導演艾飛.貝納Hervé Bernard電影：Empreintes 印記
Court métrage de Hervé Bernard Fiction - 18 min
巴黎特映時間：2015.2.26
三個場次：12:30, 19:00, 20:00
放映地點：Forum des Images 巴黎影像中心 (Les Halles)
Taïwan, est l’une des îles du Pacifique. Dans le sang de ses " peuples océan " coule un magnifique esprit, mais aussi une beauté subtile. Si les gens se reposent, s’abandonnent, les cœurs et les yeux, eux, ne s’arrêtent jamais de vagabonder. Quand ils se posent quelque part, les yeux et les mains capturent et explorent quelque chose constamment.
台灣,太平洋中的一方島嶼。人們身上流著海洋民族的血液,有一種壯闊的胸懷,又有一種含蓄的美感。在一 處棲息,心與眼卻從不停止飄泊;在某處駐足,雙眸與手卻不斷補捉與探索。綜觀台灣攝影家對於風景的關注, 其心象與意境的轉折,與台灣風土的豐富性相得益彰。台灣多元的地理環境與錯綜複雜的歷史背景造就了特殊的 影像創作風格。“台灣風格”巧妙地呼應當代對多元文化的關注,蘊含歐陸殖民文化的風貌、東洋簡明雅致的結 構、中國傳統美學的韻味還有本土的符號與情感。本文不敢企冀將百家爭鳴又蓬勃多元的台灣藝術概括分類,但 求以一種宏觀的角度為西方與國際觀者簡明闡釋藝術家的創作概念與藝術形式,進而共同探尋其中的奧妙。
“Paysage (風景)” 從西方詞源學的概念來說,是指由觀察者從某一特定視點進行水平或垂直觀察所截取的 有限空間。視覺上包含了空間的線條、特徵與形式,進而推廣為人文風貌的綜覽。自十七世紀起,西方風景畫有 了長足的發展,油畫反覆琢磨的特性,讓畫布儼然成為承載被描繪物象在不同時間的集錦。風景在藝術家眼與手 的交互作用下不斷變化,或可說不斷趨近創作者內心的投射。現代藝術理論更進一步發展出 : 「藝術並非再現可 見的事物,而是讓萬物變得可見」“L’art ne reproduit pas le visible. Il rend visible ”. 將藝術家自主性的內心 想像力與情感發揮得淋漓盡致。
然而,“Paysage ”依照客觀的地理條件,其在東西方自然不能等量齊觀,再加上其被賦予的人文內涵,在東 西方的表現上更是各有千秋。
“ Paysage ”在東方的文化脈絡中被演繹為“山水”的藝術與文學形式,是中華傳統美學中重要的課題之一。 自古文人雅士往往寄情山水,寓景抒懷。甚而被用來探討人與大自然的關係,無論是道法自然、天人合一或是 崇古尚天,皆反映出華夏文化獨特的宇宙觀與內在哲思。又「仁者樂山,智者樂水」,“山水”是人們心性的投 射,同時藉由觀想“山水”達到心靈的昇華與理性思辯的精進。
在近代,隨著攝影形式的出現,該題材對內在心靈探尋的豐富性,以及可發揮的多元表現形式與視覺特性,使 得“ Paysage ” 在至今仍然是藝術家持續關注的主題。 於是,東西方對“ Paysage ”的當代表現又似乎發展出 了一種關乎人類本質的“共性”。由此,也開始了彼此交流與心靈探索的契機。
江思賢2014所創作的«妙境» 系列，維持了對人與環境相互關係的關注，
藉由光與影、黑與白的巧妙掌握，創造自然的對立與和諧。
人體的線條如丘壑般起伏，和諧地融入無垠的天地。
同時，在雲霧與光線的繚繞下，人體又營造出了虛與實的對位關係。
光陰從時空的罅隙滲入畫面，創造出多元的視覺效果，影像在慢慢隱沒卻也漸漸顯現。
馬鈴薯的藝想世界
法國藝術家 Michel Devaux
Dec.2013
三十多年的廣告專業背景，讓米歇爾培養了一種能力，讓他所創作出的圖像能瞬間吸引觀者的目光，並具有強烈的渲染力能與大眾共感。其隻字片語或圖像，往往令人莞爾一笑，時而又發人深省。
延續著對創作的熱情，米歇爾的藝術生涯歷經寫實派與結構主義的淬鍊，然而他始終秉持著“要畫出自己從來沒看過的畫”的信念。因此，在他探索造型語言的漫長過程中，他一直在找尋一種同時能夠承載其幽默又深沉的思想；又能讓觀者引起共鳴並指涉自身的獨特“符號”。他嘗試過幾何結構、建築體、象徵性的人像…等等，但他仍不斷地追尋一個既能象徵群體社會性又能體現人性溫度的“客體”。直到有一天，“馬鈴薯”悄然地走入了他的藝想世界。
Trente ans de carrière dans la publicité ont appris à Michel Devaux à fabriquer des images accrocheuses dans lesquelles le public peut s’identifier. Un mot ou un dessin suffit à nous faire sourire, souvent, réfléchir, parfois.
Épris de création, il a d’abord été influencé par les réalistes et les structuralistes avant de se fixer comme cap de ne donner naissance qu’à des « œuvres de lui inconnues », à une terre inexplorée. Ainsi, pendant le long cheminement que constitue le façonnage d’un langage propre au peintre, il a toujours cherché à mêler, dans ses tableaux, l’humour à une pensée profonde, éveiller chez les gens les mêmes résonances et leur proposer ses « signes » particuliers. Quelles que soient les techniques utilisées, qu’il utilise la symétrie, l’architecture ou le symbolisme, il n’a eu de cesse de tendre vers une certaine « objectivité » pour à la fois refléter ce que sont les groupes sociaux et ce qu’ils produisent d’humanité. Jusqu’au jour où la « pomme de terre » s’est immiscée subrepticement dans son univers artistique…
Voici l’histoire : de retour chez lui après un long périple, il retrouve un sac de pommes de terre qui dormait dans un placard de la cuisine. Sur chacune d’entre elles avaient poussé de longs bras blancs qui semblaient le supplier de les libérer de leur prison. Ces tubercules, d’ordinaire muets, s’étaient animés, dans un style quelque peu emphatique. Depuis, telles des muses, les pommes de terre sont devenues le sujet central de ses œuvres.
Leur interprétation n’en donne pas l’image stéréotypée qu’en ont la plupart des gens : silencieuse, ordinaire, banale. A ses yeux, la pomme de terre possède tous les attributs de la nature humaine, avec ses corollaires émotionnels : aussi ses compositions peuvent-elles refléter toute sorte de concepts philosophiques sur l’existence et ses nombreuses vicissitudes. Ses tableaux peuvent aussi bien représenter des inconnus pris dans leur quotidien, que lui-même ou des personnes d’exception. Et de fait, pour ces dernières, l’évolution de la place de la pomme de terre dans la culture française a un côté théâtral. Antoine Augustin Parmentier (1737-1813) a publié en son temps « Analyse chimique de la pomme de terre », livre qui a retenu l’attention de Voltaire et de Louis XVI qui n’a pas manqué l’occasion d’en faire lui-même la promotion. La pomme de terre est alors devenue un produit de première nécessité, indispensable à l’homme de la rue mais aussi aux personnalités de la cour. Cela renvoie partiellement à la philosophie créatrice de Michel Devaux : par exemple, certaines personnes peuvent paraître fondamentalement semblables mais les conditions extérieures font qu’elles empruntent des cheminements différents.
Parfois, sous son vernis humoristique, une peinture peut, en réalité, cacher une critique sociale, les patates étant assimilées à des pièces d’échiquier qui suivent le chemin tracé par leurs semblables ou vivent dans le carcan imposé par la réalité. (Plus profondément, la mise en scène de la pomme de terre symbolise la vie de l’auteur à différents stades de ses souvenirs et de ses histoires. Quelquefois, l’auteur se cache délibérément derrière le « masque » de la pomme de terre pour observer le monde qui l’environne et réagir.)
